.
Sa technique n'a pratiquement pas varié depuis. La presse est composée encore aujourd'hui de deux rouleaux superposés qui obligeront le papier a venir chercher l'encre dans les tailles du cuivre en passant au milieu de ces mêmes rouleaux, sous une pression de l'ordre d'une tonne.

Les procédés
Les principaux procédés de la taille-douce sont le burin, l'eau-forte, la pointe-sèche et l'aquatinte.

Le burin: à l'aide d'une tige d'acier tranchant (le burin), le graveur va creuser plus ou moins profondément le cuivre d'arrière en avant, arrachant des copeaux de métal. Plus le sillon est profond, plus le trait sera noir à l'impression, mais toujours d'une netteté caractéristique.


L'eau-forte: le graveur à l'aide d'une pointe d'acier va dessiner son motif en rayant le cuivre, préalablement recouvert d'une couche de vernis, mettant ainsi le métal à nu. En plongeant la plaque dans un bain d'acide ( l'eau-forte) les parties rayées vont se creuser plus ou moins profondemment suivant le temps d'immersion. Les graveurs ont souvent recours à plusieurs essais de morsure pour obtenir une épreuve conforme à leur désir.



La pointe-sèche: le graveur à l'aide d'une pointe d'acier en forme de crayon griffe son cuivre dans le sens inverse du burin. Le métal n'est pas enlevé mais seulement repoussé laissant des "barbes" que certains artistes préfèrent supprimer en partie. Ces barbes donneront à l'impression un rendu estompé caractéristique .

L'aquatinte: sur un cuivre déja gravé à l'eau forte, puis chauffé, l'artiste fait adhérer de la poudre de résine. La plaque est ensuite replongée dans l'eau forte. L'acide mord le métal dans les parties non protégées. A l'impression le rendu est plus doux que l'eau forte, allant même sur les fonds jusqu'à la délicatesse du lavis

Un autre procédé né au XVIIè siècle, la "manière noire" ou Mezzo-tinto, consiste à hérisser le cuivre de minuscules pointes très serrées que le graveur va plus ou moins écraser pour aller du noir au blanc en passant par les différents gris, donnant ce velouté si typique de cette technique.
De Dürer, Rembrandt, Piranèse ... à Dali ou Picasso, les plus grands Artistes ont porté les différentes techniques de gravure à leur perfection.

La mise en couleurs
Pour la mise en couleurs deux techniques sont employées: celle du repérage et celle dite "à la poupée".
La première nécessite autant de cuivres que de couleurs. Le taille-doucier recouvre la plaque encrée au rouleau, où deux trous ont été percés en haut et en bas du dessin gravé, d'une feuille de papier légèrement mouillée, en ayant soin de centrer exactement la gravure à l'aide d'une pointe d'épingle piquée dans les trous de repérage. L'ensemble passera ensuite entre les rouleaux de la presse pour impression. La même feuille, maintenue au même endroit sur chaque plaque à l'aide de la pointe d'épingle, passera sur autant de cuivres qu'il y a de couleurs.

Dans la seconde technique, les différentes teintes sont tirées en une seule opération. Les couleurs sont posées par le taille-doucier "àla poupée" (tissu enroulé très fortement sur lui-même et se terminant en pointe) . L'excédent d'encre se trouvant sur les parties non gravées est retiré par "le paumage" (essuyage de la plaque avec la paume de la main).
Recouvrant le cuivre d'un papier légèrement humide, afin de le rendre "amoureux de l'encre" l'Artisan va faire passer l'ensemble entre les rouleaux de la presse pour l'obliger à venir chercher les couleurs dans les tailles.
La plaque est alors nettoyée et le taille-doucier va renouveler ces opérations autant de fois qu'il y a d'épreuves numérotées.





ici une machine de l'atelier de mon ami maurice felt un des plus grands taille doucier de notre èpoque qui à travaillé avec braque georges,picasso,miro, etc










cate du 18eme

Galerie avec des artistes de renom: Baltazar, Clavé, Garache, Kemal, Magritte, Matta, Messagier, Miotte, Miro, Peire, Riopelle, Roudex, Segui, Asger Jorn, Zao Wou Ki
.. et atelier puisque c'est Maurice Felt, taille-doucier de réputation internationale, qui oeuvre ici ...







pour les amateurs d'art moderne

Artiste peintre et écrivain, Alphonse-Etienne Dinet est né à Paris en 1861 dans un milieu bourgeois. Son passage à l'École des Beaux-arts de Paris fut couronné de succès. Il obtient en 1884 la médaille du Salon des Arts plastiques du Palais de l'Industrie, qui lui accorde une bourse pour l'Algérie, pays qu'il avait déjà visité en 1883. Il y resta cette fois-ci cinq ans. A son retour à Paris en 1889, il présente à l'Exposition Universelle une série de toiles réalisées à Bou-Saâda, ce qui lui vaut une médaille d'argent. Subjugué par la magnificence du Sud algérien, il entreprend en 1905 un autre voyage, et s'installera à Bou-Saada, pour y vivre définitivement. Avec l'aide de son ami Slimane Ben Brahim Baâmar, il parcourt le désert et se familiarise avec les tribus nomades et bédouines, découvrant la tradition arabo-berbère. Ce qui le poussera à aimer puis à se convertir à l'Islam en 1913 en devenant Nasreddine Dinet.

Il a produit une quantité d'études, de scènes, de croquis, de portraits d'une lumière flamboyante. Il a participé régulièrement à des expositions spécialement consacrées à l'orientalisme.

Après un pèlerinage à La Mecque qu'il accomplit le 2 avril 1929, il meurt Le 24 décembre de la même année à Paris et sera inhumé le 12 janvier 1930 à Bou-Saada.

Il étudie aux Beaux-Arts dans l'atelier de Désiré François Laugée. Peintre naturaliste, à l'image de Jean-François Millet, Bouguereau et Jules Breton qu'il admire, il est un des meilleurs peintres animaliers de son temps. Il observe et peint avec fidélité la vie des paysans, jouant sur la lumière. Il donne du relief à sa peinture, accentuant les effets pour donner de la force à ses œuvres.
Il quitte souvent son atelier situé 20 boulevard Flandrin dans le XVIe à Paris pour peindre la nature sur place (dans la campagne).
Très connu aux États-Unis, nombre de ses peintures sont dans les musées américains. Il expose au Salon régulièrement jusqu'à sa mort et reçoit la Médaille d'or à l'Exposition universelle de Paris de 1889, puis la Légion d'honneur en 1892.

Vers 1630, les trois frères le Main s’installent dans un atelier commun à Paris.

Louis est certainement celui qui a peint les oeuvres les plus connues de la fractrie avec notament une serie de toile sur la vie paysanne.

Les oeuvres des trois peintres intègrent les collections du Louvre en 1848 après avoir été longtemps oubliées.

Une production réputée dès le Premier Empire : l'Empereur Napoléon Premier, après sa visite à «l'atelier de la manufacture», y commandera les services de table destinés aux Maisons Impériales de la Légion d' Honneur.

En 1835, la faïencerie entre - pour 140 ans - dans la famille d' Huart qui la fera dès lors prospérer. Pour « riposter français » aux importations croissantes de Chine et du Japon, les d'Huart font venir à Longwy - vers 1872 - l'Italien Amédée de Carenza qui apporte avec lui les techniques exclusives qui permettront de réaliser des émaux cloisonnés sur faïence.

Les célèbres Émaux de Longwy sont nés et leur réputation
ira grandissant.

L'Art Déco pénètre alors ce bastion de l'orientalisme. L'association avec « Primavera » marque une période féconde dont le point culminant sera l'exposition des Arts Décoratifs de 1925.
Ce renouvellement complet des formes et des décors fit la réputation de Longwy aux Etats-Unis et en Europe pendant la période de l'avant-guerre.

L'abandon de l'importante production de services de table dans les années 50 conjointement à un manque de créativité artistique ont ensuite marqué le déclin de la faïencerie pendant un demi siècle.
Avec l'arrivée de Michelle Kostka en 1991, la Faïencerie sort d'une longue période de léthargie et grâce à un renouveau des formes, des décors et des couleurs, les Faïences et les Émaux de Longwy - de facture contemporaine - retrouvent le chemin des boutiques de luxe en France et à l'étranger.

Aujourd'hui nombreux sont les designers - tels que : Hilton Mc Conico, Garouste et Bonetti, Anne Marie Beretta, Régis Dho, Robert le Héros, Casenove, Jean Boggio - qui ont apporté leur créativité à la Faïencerie

les scènes rustiques l’attirèrent en Bretagne, où il réalisa nombre de toiles telle "Sardinerie à Concarneau". Puis, il rendit visite aux peintres scandinaves en résidence à Grez-sur-Loing près de Fontainebleau, (Carl Larsson, Karin Bergöo, Karl Nordstrom...) puis à Cernay-La-Ville, dans la Vallée de Chevreuse.
Toujours soutenu financièrement par Hirschprung, Kroyer exposa au Danemark pendant cette période. Influencé par Jules Bastien-Lepage (1848-1884), il ne tarda pas à abandonner le Réalisme Social pour s'orienter vers le Naturalisme et renouvela l'art pictural danois dans les années 1880. Ses toiles naturalistes telle "Italienske Landsby hattemagere" de 1880 remportèrent un franc succès au Danemark et obtinrent une médaille au Salon de Paris en 1881

1881-1889 DU NATURALISME à l'IMPRESSIONNISME : LE GROUPE DE SKAGEN
Après avoir passé près de quatre ans à l’étranger, Krøyer revint au Danemark au cours de l’été 1881. En 1882 il découvrit Skagen, une bourgade de pêcheurs située à l’extrémité nord du Danemark dans la province du Jütland. Skagen accueillait depuis la fin des années 1870 un groupe d’artistes nordiques passionnés de modernité : les Danois Michael Ancher et son épouse Anna, le Norvégien Christian Krohg avec lequel Kroyer se lia d'une profonde amitié, des écrivains dont Georg Brandes et les poètes Holger Drachmann et Sophus Schandorf. Toute une petite communauté en quête d’innovations. Adepte de la peinture de plein air, séduit par la qualité de la lumière, Kroyer loua une maison à Skagen et retournait à Copenhague seulement l'hiver, le temps d'exécuter ses commandes de portraits et voyager en Europe. Ainsi débuta une longue association entre Kroyer et l'Ecole de Plein Air de Skagen dont l'artiste devint l'un des chefs de file, tant par sa culture que par son talent.