l'art du cloisonné chinois




L'art artisanal remonte au déluge en Chine. Dans les archives chinoises, on appelait les cloisonnés « ouvrages incrustés Ta Che ». Ta Che était le nom chinois de l'Arabie durant le Moyen Age. Introduite dans l'Empire du Milieu au 13e siècle, cette technique devint, après une longue période de développement, un art typiquement chinois.
L'artisan donne d'abord une forme désirée à une plaque de cuivre rouge pour former le fond. On pose alors dessus, avec une pincette, des fils ou des bandes de cuivre : c'est le « cloisonnage » qui constitue les traits du dessin.
Les bandes de cuivre sont d'une épaisseur et d'une largeur différentes selon l'article à cloisonner. On peut donc avoir une idée de la patience et de l'habileté requises si on pense que, parfois, une centaine de bandes de cuivre sont nécessaires au dessin sur un pouce carré (2,54 cm).
Les fils et bandes adhèrent au fond grâce à une colle à base de racines de plante. Après aspersion, on verse au tamis un mélange de poudres d'argent, de cuivre et de borax sur l'ouvrage avant de soumettre celui-ci à un petit feu.
Une pâte d'émail de couleurs diverses est sertie entre les cloisons au moyen d'un outil pareil à une plume. Plusieurs cuissons sont nécessaires, tous les colorants n'ayant pas le même point de fusion, et on doit appliquer plusieurs couches de colorants pour obtenir l'effet désiré.
L'ouvrage est ensuite poli avec une pierre meulière et du charbon de bois. Le polissage amène l'arasement de l'émail et des cloisons. On plonge après l'article dans une solution d'or où passe un courant électrique. On obtient ainsi un ouvrage où l'éclat du métal ne cède en rien à celui de l'émail.
Le pliage des bandes de métal exige beaucoup de dextérité. Un artisan expérimenté peut, avec une simple paire de brucelles, former de mémoire de magnifiques dessins, fort complexes.
Cet art fut florissant à l'époque de King Tai (1450-56) de la dynastie des Ming et sous le règne de Kien Long (1736-95) des Tsing. Mais il déclina dès le début du 20ème siècle, comme presque tous les autres arts chinois.
Il a fallu attendre la naissance de la Chine nouvelle pour que la situation change. Aujourd'hui la Fabrique des cloisonnés de Beijing occupe quelque deux mille artisans. Ses produits sont variés, à côté des articles traditionnels : vases, coffrets, bols et plateaux. Plus de 40 colorants sont disponibles aujourd'hui au lieu d'une dizaine seulement au lendemain de la Libération (1949). La technique d'application de différents colorants pour produire une gradation nuancée des tons s'est perfectionnée. Les motifs sont tous tracés par des dessinateurs chevronnés




VASES CHINOIS EN BRONZE XVIIIè siècle



Ref 328 - Très belle paire de vases Chinois en bronze du 18è siècle en champlever . ils diffèrent des cloisonnés par le fait que la partie émaillée est plus importante que la partie métallique, cela se voit dans la couleur de l'émail qui est beaucoup plus apparente et plus vive que dans le cloisonné

C'est vraiment du beau boulot......

j'adore !! c'est cher !! mais c'est normal


j'ai une jolie collection déja

Magnifique, merci emeraude

:bravoo: :bravoo: :bravoo:

la porcelaine de l' limoge aussi c'est jolie je pense qu'il ont copier non ??

magnifique attention très fragile...

ça n'à rien à voir fleur avec la porcelaine de limoges

c'est un travail différent et beaucoup plus compliqué

en cloisonné tu as longwy mais ce n'est pas laqué

Pierre-Karl Fabergé
Il est issu d'une famille protestante picarde émigrée en Allemagne après la révocation de l'Édit de Nantes, et installée en Russie en 1800. Gustav Fabergé ouvre à son compte une joaillerie en 1842, rue Bolchaïa Morskaïa, n°24, à Saint-Petersbourg. La maison est construite par l'architecte Schmidt.
De son père, Gustav, Karl prend en main les destinées de la maison Fabergé en 1870. Alexandre III, tsar de Russie, lui accorde en 1884 le privilège d'être le fournisseur de la Cour impériale. Il le restera sous Nicolas II. Il fut également reconnu auprès des cours d'Angleterre, de Thaïlande, de Suède et de Norvège. La firme fabriquait plus de 100 000 pièces en 1914[1]. Il ouvre deux autres magasins, l'un à Moscou et l'autre à Odessa.
Le comité des employés de la coopérative K. Fabergé prendra la direction de la société à la suite de la Révolution russe de 1917. Karl quitte la Russie en septembre 1918.
Il meurt trois ans plus tard à Lausanne.







boutons de manchettes du tsar nicolas II





bracelet fabergé famille romanov












Il est connu pour ses créations d'objets décoratifs raffinés :

Spoiler:

L'art de Norman Rockwell se situe dans une période charnière de l'histoire de l'illustration. Il est l'héritier de la tradition américaine du xixe siècle et tout particulièrement deHoward Pyle, qui en fut l'un des plus importants représentants par ses livres d'aventures et qui l'influenca très profondément. À la suite de Joseph Christian Leyendecker, sa peinture sera représentative d'une nouvelle manière qui s'imposera avec l'essor des magazines illustrés entre les années 1920 et 1950. Il fait la synthèse entre ces deux courants et, par son style précis et méticuleux, il annonce l'hyperréalisme.
Influences
Outre Pyle et Leyendecker, Norman Rockwell fut influencé par des maîtres de l'art occidental. Vermeer, Frans Hals, Chardin, pour leurs scènes d'intérieurs. Les peintres académiques Meissonier et Gérôme pour le travail sur les détails minutieux2, le portraitiste John Singer Sargent. On trouve aussi des réminiscences de Winslow Homerdans ses illustrations de Tom Sawyer. Les illustrateurs anglais de l'époque victorienne ont eu aussi une grande influence, tels ceux des ouvrages de Charles Dickens ou de Lewis Carroll, Hablot Knight Browne, Arthur Rackham et John Tenniel. À son tour, Norman Rockwell influencera nombre d'illustrateurs.


Norman Percevel Rockwell est né à New York le 3 février 1894 et dés son plus jeune âge il s’intéresse au dessin. En 1908 il est élève à la Chase School of Fine and Applied Arts. En 1910, il abandonne ses études et entre à l'Art Students League of New York où il perfectionne sa technique auprès de George Bridgeman et Thomas Fogarty


wiki

J'aime bien ta signature, Emeraude :super:

oui moi aussi je la trouve sympa et c'est en plus ce que je pense

Vente record pour un tableau de Rothko






Un tableau peint en 1961 par Mark Rothko a été adjugé hier soir à New York à près de 87 millions de dollars par la maison Christie's, établissant un nouveau record pour une oeuvre de l'après-Deuxième Guerre mondiale.

Les oeuvres de Gerhard Richter, Jackson Pollock, Yves Klein et Alexandre Calder également vendues hier soir ont confirmé la très bonne tenue du marché de l'art. Au total, la vente a rapporté 388,5 millions de dollars, bien plus que le produit qu'en attendaient les commissaires-priseurs (leurs estimations variaient de 236 à 330 millions). Sur les 59 pièces proposées à la vente, seules trois n'ont pas été adjugées.

"Orange, Red, Yellow", peinture à l'huile de Rothko, efface les 86,3 millions de dollars atteints pour une oeuvre de Francis Bacon, "Triptyque, 1976", qui était depuis 2008 l'oeuvre d'art la plus chère de l'après-Guerre. "C'était phénoménal, quelque chose sans précédent", a commenté Koji Inoun, chargé de cette vente.

Une partie des tableaux, dont celui de Rothko, provenaient de la collection de David Pincus, collectionneur d'art de Philadelphie mort en décembre dernier. "Cela ne fait que démontrer que la demande est insatiable et qu'il y a un très profond intérêt", a poursuivi Koji Inoun.



voici l'oeuvre je vous laisse juge

Il y en a qui ne savent pas quoi faire de leur argent

animamour a écrit:

Il y en a qui ne savent pas quoi faire de leur argent

je comprend pas non plus

Art et Histoire des Icônes en Russie du Xe siècle à nos jours




es écoles iconographiques principales portent le noms des villes dont elles sont issues. Les peintres étaient des moines vivant dans des monastères qui pouvaient souvent se trouver hors des villes.
Nous ne pouvons étudier ici tous les peintres ni toutes les écoles de l'évolution russe de l'iconographie. Le choix fut délicat et ..."Choisir, c'est renoncer" quoiqu'il en coûte!

Spoiler:

L'étude ci-dessous se propose de définir les caractéristiques des principales écoles d'icônes russes les plus connues et les plus classiques et d'étudier succintement la technique de quelques maîtres iconographes dont l'influence fut prépondérante. Une place spéciale est réservée à l'école de la ville de Tver, rivale de Moscou; longtemps oubliée des historiens d'art, elle nous a laissé quelques icônes d'un style très pur.

KIEV

Aux premiers temps de la christianisation de la Russie, les icônes sont apportées de l'empire Byzantin, puis exécutées sur le territoire de Kiev par des moines instruits au mont Athos comme Alimpy et Gregori. (Vierge de Vladimir)
Ils formèrent des religieux tant à la liturgie qu'à l'art de l'iconographie. Un recueil de récits, le "Partekiron des grottes de Kiev" raconte comment les kiéviens étudièrent non seulement les techniques de peinture des icônes; mais également celles des fresques, de la mosaïque, ou de la peinture et de la miniature sur parchemin.




L'icône de la Vierge de Vladimir fut certainement peinte à Constantinople et le patriarche Luc
l'envoya en présent au Prince de Kiev,
Iouri Dolgorouki.
En 1155, elle fut emportée par
André Bogolioubski qui voulait établir
une capitale vers le nord.
Arrivé près de la ville de Vladimir,
ses chevaux refusèrent d'avancer. Il y vit
le signe que Dieu voulait qu'il s'arrête
sur ce territoire et fit construire une
église de la Dormition
(achevée en 1160) où fut placée l'icône.
Si elle protégea encore le prince André en 1164 contre les bulgares, elle n'intervint pas
lorsqu'il prit Kiev d'assaut et
la livra au pillage en 1169.
Lorsqu'en 1173 Bogolioubski fut tué
par ses boyards, sa famille tenta
de reprendre l'icône mais les habitants
de Vladimir les forcèrent à la restituer.
Depuis cette époque "La Vierge de Vladimir"
intervient miraculeusement pour sauver
la Russie ou se sauver elle-même : en 1185, un incendiene la touche pas; en 1395, elle protège contre les tatars, le Grand-Prince Vassili Dimitriévitch qui l'avait emmenée à Moscou.
On lui doit également la victoire finale d'Ivan III contre la Horde d'Or en 1480. En 1521, elle
protège Moscou contre le Khan de Crimée.
En 1919, les autorités soviétiques la retirèrent
de la cathédrale, où couronnements et mariages princiers avaient lieu en sa présence,
pour la placer à la Galerie Trétiakov qui
la restitua à la Cathédrale de la Dormition
du Kremlin en 1993. Les deux visages semblent d'époque mais les vêtements subirent plusieurs "restaurations" entre le XVe et le XIXe siècle.





es bâtisseurs des premières églises en pierre furent des architectes grecs ainsi que les mosaïstes qui en ornèrent les murs. Mais déjà la Cathédrale Sainte-Sophie-de-Kiev et l'église de la Dime offrent à leurs murs intérieurs un mélange de fresques et de mosaïques, ce qui allait à l'encontre des conceptions byzantines.

Spoiler:

©Marie Deriglazoff-2000 à 2010-

Merci EMERAUDE c'est très intéressant l’historie de l’histoire des Icônes de la Russie

:super:

Historique de la Faïence à Moustiers








Moustiers Ste Marie, haut lieu historique de la céramique est nichée au coeur de la Provence,
au bord du lac de Ste Croix et des Gorges du Verdon. Sa faïence est toujours aussi vivante et recherchée pour sa
finesse et son décor.
Quel bonheur de faire jaillir de l'argile, ce matériau simple et humble, une pièce éclatante de blancheur et de
couleurs dues aux oxydes métalliques utilisés. Cette rencontre entre la terre, la main, l'émail, le pinceau et surtout
le feu a de tous temps émerveillé! Depuis les hommes préhistoriques qui ont vécu sur ce site, cette alchimie s'opère.
Il est possible de se replonger dans leurs réalisations et leurs créations en visitant, à Quinson, le musée de la
préhistoire.
Au Moyen Age, il n'était fabriqué que la terre vernissée au décor vert et brun(terres de différentes couleurs
recouvertes d'un émail transparent).Grace au secret de l'émail blanc révélé en 1668 par le passage au monastère de
la communauté de Lérins d'un moine italien originaire de Faenza en Italie, Pierre Clérissy a pu réaliser une céramique
d'excellence:

LA FAIENCE.

Il a su décorer le biscuit d'argile rosée, recouverte de cette poudre immaculée à l'aide d'oxyde de cobalt et la cuire
dans un four à bois. Enthousiasmé par la qualité du résultat il ouvre en 1679 la première faiencerie.


Sa marque de fabrique sera ses "décors en camaïeu de bleu".



Les aristocrates, appréciant la vaisselle de qualité, contribuèrent à l'essor de cette nouvelle production qui rappelait
l'orfèvrerie qui avait du être fondue pour renflouer les caisses du royaume.
En 1738 avec Joseph Olérys qui apprit à Alcora le maniement des oxydes colorés la polychromie permet l'émergence
des décors bérains, des grotesques,


les médaillons, les bouquets, les guirlandes.


Vers 1770, dans les ateliers Ferrat, sont créés les décors "au petit feu" (troisème cuisson à 760°c) où deux tons vifs
s'opposent, le pourpre et un vert cru posé en épaisseur. Les décors les plus fréquents sont les fleurs, les paysages,
les chinois, les perroquets, les montgolfières.






Aprés un déclin au moment de la révolution, il a fallu attendre Marcel Provence qui, en 1927, a rallumé un four afin
que Moustiers retrouve sa place de grande cité de la faïence et de la céramique dans le monde entier.
Aujourd'hui une vingtaine d'atelier perpétue cette merveilleuse aventure en respectant la tradition, mais sans pour
autant négliger la création.






"La tradition dans les grandes choses, n'est pas de refaire ce que les autres ont faits, mais de retrouver l'esprit qui
en ferait de toutes autres en d'autres temps."









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La porcelaine de Bordeaux fut une production céramique éphémère issue d'une manufacture active de 1787 à 1790 à Bordeaux, dans le département de la Gironde.
Malgré la faible durée de vie de la Manufacture des Terres de Bordes, des pièces prestigieuses sortirent des ateliers de Verneuil et Vanier.
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C'est un sacré savoir faire :super:

LA PORCELAINE TENDRE (XVIIIe siècle) :



La fabrication de la porcelaine prit en Angleterre un tardif développement. Les recherches actuelles permettent d'affirmer que l'Angleterre n'a produit aucun type de porcelaine avant 1745. De même que les faïenciers, les fabricants de porcelaines s'attachèrent surtout au perfectionnement des pâtes.

C'est de France que vint la première impulsion ; c'est la pâte tendre de Saint-Cloud et de Chantilly, que les anglais imitèrent. Mais ses inconvénients, son manque de résistance, ne convenaient pas à leur esprit pratique et ils composèrent un produit mixte, la porcelaine phosphatique "Bone China", dont l'usage s'imposa dans presque toutes les manufactures.

La fabrication est localisée au début dans la région de Londres, à Bow et à Chelsea, et elle se répandit bientôt, gagnant vers le nord Worcester, Derby et enfin le Staffordshire.



BOW : La fabrique de Bow se situait sur la partie du territoire de l'Essex traversée par le fleuve Léa. En 1745 "Edward Heylin" et "Momas Frye" prenaient un brevet pour l'installation d'une fabrique de porcelaine à Bow. La production de porcelaine tendre y débute en 1747.

il semble que Bow ait été la première fabrique anglaise à produire de la pâte tendre contenant de la poudre d'os, ce qui lui permit d'obtenir une terre beaucoup plus résistants que celle de Chelsea. Plus de trois cents artisans sont engagés au moment de son expansion.

Les figurines de Bow étaient fabriquées selon une méthode de moulage rudimentaire qui consiste à presser l'argile pâteuse, à la main, dans les parois du moule. Dès 1762, la production de Bow est marquée d'une petite ancre accompagnée d'un poignard.

La fabrique est renflouée par William Duesbury, propriétaire de la fabrique de Derby, puis fermée en 1776.

ces oeuvres sont magnifiques

les bronzes de vienne

Les petites figures en bronze, réalisées à Vienne, en Autriche, à partir de 1850 sont des bronzes d'une rare qualité. Souvent de petite taille, les bronzes de Vienne peuvent varier en taille de quelques millimètres jusqu'à près d'un mètre.



Chacune de ces œuvres est une pièce unique, la ciselure est réalisée à la main et les détails diffèrent entre deux pièces. Les finitions ( peinture, patine..) sont faite à la main et sont très soignées.



C'est surtout en France que la tradition des figurines en bronze est répandue, elle sera importée à Vienne par Mathias Bergmann, en 1850, l'atelier le plus connu. c'est à cette date qu'il commence à fondre et peindre des figurines. C'est le début des bronzes de Vienne qui allaient connaître une renommée mondiale

Vindiousssssssssse ! C'est magnifique çà